Shangri-La combines both immersive and closed spaces to describe an unreachable utopia. Originally exhibited in State of the Art 2020 at the Momentary, a contemporary art space at the Crystal Bridges Museum of American Art in Bentonville, Arkansas, Shangri-La was intended to evoke a sense of the confusion that Bagley sees as pervasive to contemporary life. The work remained on view for only a few weeks due to the onset of the COVID-19 pandemic, and has been re-imagined for its display at the Nasher to reflect the intensified collective disorientation of the intervening four years.
Three larger-than-life figures made of cast and carved industrial spray foam on metal supports populate the ghostly outline and windows of a pitch-roofed house. While their bases retain Bagley’s pencil lines and carving marks, their upper surfaces are coated in a mat chalked paint that has been meticulously sanded to give the impression of translucently pale flesh. The visible hand of the artist and the process of their making, as well as their tender corporeality, lends these featureless and partially limbless figures a powerful vulnerability. Their form is reminiscent of classical sculpture, white-washed and degraded by time, as well as the feminine poses of milky, Rubenesque women from Renaissance painting or Bernini marbles. The postures of these creatures and the uneven surface of the spray foam also call to mind the helplessly frozen victims of Pompeii. A fourth and fifth figure can be found in the two illusory spaces of Shangri-La, which disorder the scale of the environment. One is reproduced crawling away from the viewer at nearly life-size in a large-format photograph, through the open door of Bagley’s studio at night – a beckoning portal to a real place. The other is a miniature and more abstract version of its oversized counterparts on the floor of the space. Inside a dollhouse-like version of Shangri-La's architectural framework, suspended from its metal tubing, sits a twisted plaster element in front of a piece of cypress wood with a void that makes it appear to be a dwelling or another open door.
Navigating through the space without a clear vantage point, one is unsure if they are inside or outside, big or small. That absorbing experience puts the viewer in a position as vulnerable, anonymized, and headless as Bagley’s chalky figures stuck in time. Adding to the disorientation of scale, space, and identity in Shangri-La are a number of spirit levels affixed to the upright metal framework, which comment on the balance or imbalance of this paradisical environment. At the ‘back’ of the house, a vertical column of film stills closely cropped to the eyes and nose bridges of several of Bagley’s friends and family returns the viewer’s gaze. Without any other features, the subjects of these portraits are nearly impossible to identify. The struggle in Shangri-La to search for balance, security, connection, and ports of access are resonant in our tumultuous era. As many categories of our lives – work, healthcare, identity, home – have been unsettled in the wake of the pandemic and amidst transformative political and technological shifts, Bagley’s installation creates an emotional space for reflection.
About Frances Bagley
Born in Fayetteville, TN, Frances Bagley earned her MFA in Sculpture from the University of North Texas after receiving her MA and BFA in Painting from Arizona State University. She currently lives and works in Dallas, TX. Bagley’s work is informed by situations of social concern and often asks questions about the human experience in relation to the environment, architecture, and society.
Bagley has exhibited extensively throughout her more than 40-year career along with a strong community involvement in support of women’s and artist’s rights. She has been a member of the women’s collaborative Toxic Shock since its beginning in 1980. An award recipient in the 10th Kajima Sculpture Exhibition in Tokyo, Japan, and in the 2007 Texas Biennial, Bagley’s work is included in museum and corporate collections, including the Dallas Museum of Art, the Nasher Sculpture Center, the National Museum of Women in the Arts in Washington, D.C., the El Paso Museum, the Kajima Collection, Tokyo, and American Airlines, among others. Bagley has also been involved in numerous public art projects, and collaborated with her husband, artist Tom Orr, to create sets and costume designs for Verdi’s Nabucco, which opened The Dallas Opera’s 50th anniversary season. Her awards include the Moss Chumley Artists Award from the Meadows Museum, the Individual Artist Grant from the Ludwig Vogelstein Foundation, and the Legend Award from the Dallas Center for Contemporary Art.
Durante más de cuatro décadas, la artista Frances Bagley, residente en Dallas desde hace mucho tiempo, ha creado un lenguaje escultórico multivalente a través de sus objetos, instalaciones y lentes. Bagley es miembro fundador del colectivo feminista Toxic Shock, un grupo de mujeres artistas establecido en Dallas en 1980 con el que Bagley ha realizado obras que comentan acerca del género, política e identidad. Su práctica sigue explorando cuestiones y dinámicas sociales contemporáneas, sobre todo en relación con el cuerpo sexuado. Bagley crea una tensión entre lo figurativo y lo abstracto recurriendo a menudo a formas corporales moldeadas y a significantes ambiguamente femeninos como el pelo trenzado o las telas drapeadas. En los últimos años, Bagley ha empezado a incorporar estructuras transitables en sus instalaciones para crear una arquitectura que tiende un puente entre el mundo del espectador y el universo surrealista que habitan sus formas orgánicas y objetos encantados.
Shangri-La combina espacios inmersivos y cerrados para describir una utopía inalcanzable. Expuesta originalmente en State of the Art 2020 en el Momentary, un espacio de arte contemporáneo del Crystal Bridges Museum of American Art de Bentonville, Arkansas, Shangri-La pretendía evocar la sensación de confusión que Bagley considera omnipresente en la vida contemporánea. La obra permaneció expuesta sólo unas semanas debido a la aparición de la pandemia COVID-19, y ha sido reimaginada para su exposición en el Nasher con el fin de reflejar la intensificada desorientación colectiva de los cuatro años transcurridos.
Tres figuras más grandes que la vida, hechas de espuma industrial moldeada y tallada sobre soportes metálicos, pueblan el contorno fantasmal y las ventanas de una casa con techo a dos aguas. Aunque sus bases conservan las líneas de lápiz y las marcas de talla de Bagley, sus superficies superiores están recubiertas por una pintura mate a la tiza que ha sido meticulosamente lijada para dar la impresión de una carne translúcida y pálida. La mano visible de la artista y el proceso de su elaboración, así como su tierna corporeidad, confieren a estas figuras sin rasgos y parcialmente sin extremidades una poderosa vulnerabilidad. Su forma recuerda a la escultura clásica, blanqueada y degradada por el tiempo, así como a las poses femeninas de mujeres lechosas y rubenescas de la pintura renacentista o los mármoles de Bernini. Las posturas de estas criaturas y la superficie irregular de la espuma en spray también recuerdan a las indefensas víctimas congeladas de Pompeya. Una cuarta y quinta figura se encuentran en los dos espacios ilusorios de Shangri-La, que desordenan la escala del entorno. En una fotografía de gran formato se reproduce una de ellas, casi a tamaño natural, que se aleja del espectador a través de la puerta abierta del estudio de Bagley por la noche: un portal que llama a un lugar real. La otra es una versión en miniatura y más abstracta de sus homólogos de gran tamaño en el suelo del espacio. Dentro de una versión en forma de casa de muñecas del entramado arquitectónico de Shangri-La, suspendido de sus tubos metálicos, se encuentra un elemento de yeso retorcido frente a una pieza de madera de ciprés con un vacío que hace que parezca una vivienda u otra puerta abierta.
Navegando por el espacio sin un punto de vista claro, uno no sabe si está dentro o fuera, si es grande o pequeño. Esa absorbente experiencia coloca al espectador en una posición tan vulnerable, anónima y sin cabeza como las figuras calcáreas de Bagley atrapadas en el tiempo. A la desorientación de la escala, el espacio y la identidad de Shangri-La se suman varios niveles espirituales fijados a la estructura metálica vertical, que comentan el equilibrio o el desequilibrio de este entorno paradisíaco. En la "parte trasera" de la casa, una columna vertical de fotogramas cinematográficos recortados muy cerca de los ojos y los puentes nasales de varios amigos y familiares de Bagley, devuelve la mirada del espectador. Sin ningún otro rasgo, los sujetos de estos retratos son casi imposibles de identificar. La lucha en Shangri-La por buscar el equilibrio, la seguridad, la conexión y los puertos de acceso resuenan en nuestra tumultuosa era. Dado que muchas categorías de nuestras vidas –trabajo, salud, identidad, hogar– se han visto alteradas tras la pandemia y en medio de cambios políticos y tecnológicos transformadores, la instalación de Bagley crea un espacio emocional para la reflexión.
Sobre Frances Bagley
Nacida en Fayetteville, TN, Frances Bagley se licenció en Escultura por la Universidad del Norte de Texas tras obtener un máster y una licenciatura en Pintura por la Universidad Estatal de Arizona. Actualmente vive y trabaja en Dallas, TX. La obra de Bagley se inspira en situaciones de interés social y a menudo plantea preguntas sobre la experiencia humana en relación con el medio ambiente, la arquitectura y la sociedad.
Bagley ha realizado numerosas exposiciones a lo largo de sus más de 40 años de carrera, junto con una gran implicación comunitaria en apoyo de los derechos de las mujeres y los artistas. Es miembro de la asociación de mujeres Toxic Shock desde sus inicios en 1980. Galardonada en la 10ª Exposición de Escultura Kajima de Tokio (Japón) y en la Bienal de Texas de 2007, la obra de Bagley se incluye en colecciones de museos y corporativas, como el Museo de Arte de Dallas, el Centro de Escultura Nasher, el Museo Nacional de la Mujer en las Artes de Washington, D.C., el Museo de El Paso, la Colección Kajima, Tokio, y American Airlines, entre otros. Bagley también ha participado en numerosos proyectos de arte público, y colaboró con su marido, el artista Tom Orr, en la creación de decorados y diseño de vestuario para Nabucco, de Verdi, que inauguró la temporada del 50 aniversario de la Ópera de Dallas. Entre los premios que ha recibido figuran el Moss Chumley Artists Award del Meadows Museum, la Individual Artist Grant de la Ludwig Vogelstein Foundation y el Legend Award del Dallas Center for Contemporary Art.